Les meilleurs films de 2020 [TOP]
Année de cinéma singulière, du fait d’un contexte ennuyeux, 2020 appartient désormais au passé. Voici nos films favoris, gratifiés des salles ou des plateformes de streaming, miraculeux dans tous les cas.
Les meilleurs films de 2020, par JACK :
Mentions honorables
- Dark Waters, de Todd Haynes
- La dernière vie de Simon, de Léo Karmann
- The King of Staten Island, de Judd Apatow
10. L’Adieu, de Lulu Wang
La ligne de départ prête à sourire, car ponctuée de maladresses innocentes et confusions gaies, mais Lulu Wang ne tarde pas à colmater la douceur ambiante par la sensibilité troublante de ses personnages, endeuillés par anticipation. Mi-drame familial, mi-plaisanterie sociétale, L’Adieu creuse le fossé des cultures, la peine du déracinement et la tendresse de souvenirs communs, seuls liens entre des générations éparpillées par les années et les kilomètres. Des doubles-sens à profusion, maquillés par les traditions ou nourris par l’errance, et une émotion béante accompagnent cette perle cinématographique raffinée et considérablement moderne.
9. Light of my Life, de Casey Affleck
Probablement inspiré par l’expérience A Ghost Story, narration du parcours spirituel d’un revenant par le biais de diapositives, Casey Affleck porte Light of my Life. Usant du même procédé de mise en scène, refusant le mouvement et plaçant le cadrage comme artifice primordial, le réalisateur (et acteur) fait disparaître les femmes d’un monde apocalyptique et se vêt en père vagabond et protecteur, traînant sa fille à travers une Amérique décomposée. Sorte de The Last of Us naturaliste, le long-métrage est aventure initiatique et récit paternel bouleversant, sillonné d’intentions strictement intimes et minimalistes. Sa plus grande force.
8. Madre, de Rodrigo Sorogoyen
Prolongement d’un court-métrage éreintant – devenu premier segment du long-métrage – où le sol se dérobe sous les pieds d’une mère, Madre explore les errements d’une femme amoureuse d’un fantôme : celui de son fils, disparu dix ans plus tôt. Les focales de Sorogoyen, lorgnant du côté de Malick, étoffent la relation ambiguë d’un parent d’hier et d’un adulte de demain, liaison aux contours volontairement floutés. Serti de plans-séquences intenses, desquels la détresse émane somptueusement, le drame anatomise les nuances du deuil et de la maternité, à fleur de peau. La plage y fait figure de purgatoire sentimental.
7. Play, de Anthony Marciano
Le found-footage a quelque peu déserté les salles de cinéma, après le raz-de-marée fumeux que provoqua Paranormal Activity et ses incalculables progénitures horrifiques. Anthony Marciano s’empare du principe de mémoire imprimée sur pellicule (ou carte SD), laissant ses objectifs à un enfant en pleine croissance. Play se veut catalogue d’instants, d’exclamations juvéniles, de faux pas saugrenus, de romances esquissées, que le montage, plus malin qu’il n’y paraît, joint précisément. Dans le flot d’images, le réalisateur touche à l’universalité de l’amitié, de l’amour, de la jeunesse, s’armant de fait d’un important capital émotion.
6. Uncut Gems, de Benny Safdie et Josh Safdie
Cavale nocturne et néoneuse au son des synthétiseurs, Good Time indiqua sans équivoque qu’il fallait suivre les frères Safdie de (très) près. Leur retour à la caméra n’a fait que corroborer l’information. Le tandem replonge dans la cité new-yorkaise, transmuée en machine infernale et cacophonique, et livre une implacable ode au suspens sous couvert de thriller viscéral. Ses rouages oppressants, Uncut Gems agit telle une déflagration : la brûlure suit la lumière et la chaleur. Pour Adam Sandler, l’opportunité de sémillantes étincelles en parieur obsédé, embringué dans des affaires tranchantes et criardes. Étouffant, c’est le mot.
5. Mank, de David Fincher
Un hiatus de six ans et une poignée de programmes Netflix plus tard, David Fincher concrétise un projet de longue date : adapter les écrits de son père, scénario retraçant la gestation du chef d’œuvre Citizen Kane. Enrobé d’un noir et blanc onctueux, volonté parmi d’autres de renouer avec le grain de l’âge d’or hollywoodien, Mank joue la carte du réquisitoire enflammé, à l’opposé absolu du (très) nostalgique Once Upon a Time… in Hollywood. Sous les traits d’un auteur à contre-courant, Gary Oldman débite données politiques et sarcasmes taquins dans une curieuse, passionnante et sulfureuse ovation aux scénaristes, par celui qui n’a jamais rédigé.
Vous pouvez retrouver la critique du film ici.
4. Tenet, de Christopher Nolan
Placardé comme « le film qui allait sauver le cinéma », l’industrie alors plongée dans un contexte malheureux, Tenet voit son auteur brandir ses jouets sur un terrain de jeu plus vaste que jamais, repoussant les limites narratives et techniques de son cinéma. Christopher Nolan propose sa version officieuse de James Bond, blockbuster d’espionnage bondissant d’un continent à l’autre, emmêlé dans les directives du voyage temporel et les codes désuets (mais charmants) du genre. Pari visuel réussi, dénué des dialogues encyclopédiques habituels, le film déstabilise puis fascine, à l’instar d’une grande attraction vertigineuse qui viserait à nous remplir la tête, à défaut de la vider.
Vous pouvez retrouver la critique du film ici.
3. Soul, de Pete Docter
Là-haut, Coco, En Avant, désormais Soul : Pixar entretient une belle relation avec la mortalité et le deuil, comme si le thème (et ce qu’il suppose) figurait au cœur de la formule. Avec la même opiniâtreté que Vice-Versa (déjà signé Pete Docter), ambitieuse tentative de traduire l’intraduisible, l’écurie Pixar s’accoude à l’au-delà. Attestation de la toute-puissance du studio, en mesure d’exposer concepts indéchiffrables et quantiques en toute simplicité, jalonnés d’éclats esthétiques loquaces, Soul – tristement privé d’une sortie en salles – siffle joyeusement la mélodie du bonheur. De quoi cogiter quant à l’existence et son but, se remémorer que le plaisir peut résider en d’anodines occasions.
Vous pouvez retrouver la critique du film ici.
2. Drunk, de Thomas Vinterberg
Tient-on le Very Bad Trip danois, comédie potache qui profite du calvaire imbibé d’un groupe d’individus ? Thomas Vinterberg, auteur du percutant La Chasse, offre une traduction plus mesurée et humaine de l’éthylisme. Son film Drunk tient autant de l’aventure humaine que de l’étude sociologique. Non seulement d’hommes qui s’imposent la boisson – et repoussent, peu à peu, leurs limites – mais également d’une société qui fête l’alcool comme une habitude. Dans cette configuration, le réalisateur infuse la notion de lâcher-prise, de libération face à la banalité, à la monotonie. Pas d’ode à la déchéance, donc, mais bien à la joie du laisser-aller, à l’extase de se retrouver, désinhibé.
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1. 1917, de Sam Mendes
Délimités par les décombres d’un conflit sans horizons, martelés par les cliquetis d’un compte à rebours crucial, les pas de jeunes soldats britanniques sont sujets d’un monstrueux plan-séquence. Inspiré du travail sensoriel de Nolan sur Dunkerque, sa technique au service d’un périple impossible et gracieux – en dépit des gravas environnants –, le cinéaste associe l’immersion du mouvement continu à une émotion pudique, si bien que 1917 invoque par intermittence, et une maîtrise irréductible, le tapage dantesque des détonations et la poésie délicate d’une silhouette. Quinze ans après Jarhead, premier film de guerre du metteur en scène, celui-ci livre un morceau de cinéma divinement époustouflant.
Vous pouvez retrouver la critique du film ici.
